30 September 2008

THE END OF THE WORLD AS WE KNOW IT (III)



(2008)
SÃO MAGALHÃES, SENHOR...



"As entregas de computadores nas escolas pelo primeiro-ministro são uma peça essencial da propaganda governamental de sucesso garantido a abrir um ano eleitoral. Como é óbvio, ninguém deixa de gostar que lhe dêem coisas. Valentim Loureiro dava frigoríficos e outros electrodomésticos, coisas que ninguém pode achar serem inúteis e desvantajosas para quem as recebe, Sócrates 'dá' computadores, um objecto cuja aura é hoje superior ao frigorífico, e que vem envolvido com toda uma retórica de modernidade, que ninguém se atreve a contestar. Uma das características deste Governo é um grande deslumbramento tecnológico que tem muito a ver com o primeiro-ministro, um típico tecnocrata, mais autodidacta do que com uma formação profissional sólida, e que por isso 'gosta' de gadgets e não sabe viver sem eles. Mais: está convencido de que são os gadgets que mudam as pessoas, numa visão tecnocrática típica, sem perceber que o modo como as pessoas os usam pode ou não ser vantajoso conforme as literacias prévias que possuam" (José Pacheco Pereira, "Público" de 27 de Setembro de 2008 - texto integral aqui)

(2008)
THE END OF THE WORLD AS WE KNOW IT (II)


Born Into This - A Documentary on Charles Bukowski
(real. John Dullaghan, 2003)


(inspirado pela caixa de comentários do post anterior)

(2008)
THE END OF THE WORLD AS WE KNOW IT (I)



(2008)
EM LOUVOR DA IVY LEAGUE



Damon & Naomi - More Sad Hits

Mais uma outra contribuição para a tese que se deverá ocupar com a demonstração de como ao sistema universitário norte-americano (e à ilustre Ivy League em particular) devemos uma importantíssima parcela da melhor pop. A saber – e recuando no tempo –, em 1986, o guitarrista Dean Wareham, o baterista Damon Krukowski e a baixista Naomi Yang (que se haviam conhecido na Dalton School, de Nova Iorque), já como estudantes da universidade de Harvard, constituíram os Galaxie 500. Krukowski não possuía bateria própria mas resolveu o assunto pedindo emprestada a do colega de curso Conan O’Brien (sim, esse) e, por entre núvens de Velvet Undergound e Jonathan Richman, edificaram um razoável culto indie que se concluiria com a separação da banda em 1991. Damon e Naomi, inicialmente contra vontade mas espicaçados pelo produtor Mark Kramer, retomaram o percurso e, com este More Sad Hits (1992, agora reeditado e remasterizado), criaram o chamado “minor classic” de melancolia psicadélica, algo como uns Mazzy Star ainda mais assombrados e narcotizados e com maior diversidade tímbrica, em canções com títulos como “This Car Climbed Mt Washington” ou “Boston’s Daily Temperature”. Dezasseis anos depois, sem uma ruga.

(2008)

29 September 2008

ZEITGEIST

R.E.M. - "It's The End Of The World As We Know It"

That's great, it starts with an earthquake, birds and snakes, an aeroplane, Lenny Burnside is not afraid. Eye of a hurricane, listen to yourself churn world serves its own needs, don't misserve your own needs. Feed it up a knock, speed, grunt no, strength no. Ladder structure clatter with fear of height, down height. Wire in a fire, represent the seven games in a government for hire and a combat site. Left her, wasn't coming in a hurry with the furies breathing down your neck. Team by team reporters baffled, trump, tethered crop. Look at that low plane! Fine then. Uh oh, overflow, population, common group, but it'll do. Save yourself, serve yourself. World serves its own needs, listen to your heart bleed. Tell me with the rapture and the reverent in the right - right. You vitriolic, patriotic, slam, fight, bright light, feeling pretty psyched.

It's the end of the world as we know it.
It's the end of the world as we know it.
It's the end of the world as we know it and I feel fine.



Six o'clock - TV hour. Don't get caught in foreign tower. Slash and burn, return, listen to yourself churn. Lock him in uniform and book burning, blood letting. Every motive escalate. Automotive incinerate. Light a candle, light a motive. Step down, step down. Watch a heel crush, crush. Uh oh, this means no fear - cavalier. Renegade and steer clear! A tournament, a tournament, a tournament of lies. Offer me solutions, offer me alternatives and I decline.

It's the end of the world as we know it.
It's the end of the world as we know it.
It's the end of the world as we know it and I feel fine.

The other night I tripped a nice continental drift divide. Mount St. Edelite. Leonard Bernstein. Leonid Breshnev, Lenny Bruce and Lester Bangs. Birthday party, cheesecake, jelly bean, boom! You symbiotic, patriotic, slam, but neck, right? Right.

It's the end of the world as we know it.
It's the end of the world as we know it.
It's the end of the world as we know it and I feel fine...fine...


R.E.M. - "Bad Day"

A public service announcement followed me home the other day.
I paid it nevermind. Go Away.
Shits so thick you could stir it with a stick-free Teflon whitewashed presidency.
We're sick of being jerked around.
Wear that on your sleeve.

Broadcast me a joyful noise unto the times, lord,
Count your blessings.
We're sick of being jerked around.
We all fall down.

Have you ever seen the televised St. vitus subcommittee prize
Investigation dance? Those ants in pants glances.
Well,look behind the eyes.
It's a hallowed hollow anesthetized
"save my own ass, screw these guys"
smoke and mirror lock down.

Broadcast me a joyful noise unto the times, lord,
Count your blessings.
The Papers wouldn't lie!
I sigh, Not one more.

It's been a bad day.
Please don't take a picture.
It's been a bad day.
Please.



We're dug in deep the price is steep.
The auctioneer is such a creep.

The lights went out, the oil ran dry
We blamed it on the other guy
Sure, all men are created equal.
Heres the church, heres the steeple
Please stay tuned-we cut to sequel
ashes, ashes, we all fall down.

Broadcast me a joyful noise unto the times, lord,
Count your blessings.
Ignore the lower fear
Ugh, this means war.

It's been a bad day.
Please don't take a picture.
It's been a bad day.
Please.

Broadcast me a joyful noise unto the times, lord,
Count your blessings.
We're sick of being jerked around.
We all fall down.

It's been a bad day...


The National - "Fake Empire"

Stay out super late tonight
picking apples, making pies
put a little something in our lemonade and take it with us
we’re half-awake in a fake empire
we’re half-awake in a fake empire



Tiptoe through our shiny city
with our diamond slippers on
do our gay ballet on ice
bluebirds on our shoulders
we’re half-awake in a fake empire
we’re half-awake in a fake empire

Turn the light out say goodnight
no thinking for a little while
lets not try to figure out everything at once
It’s hard to keep track of you falling through the sky
we’re half-awake in a fake empire
we’re half-awake in a fake empire

(2008)
LISBOA, ROMÉNIA



"Segundo o Urban Audit, serviço da União Europeia, Lisboa é a cidade média/grande mais desvitalizada de toda a Europa a 27. Não há notícia, em toda essa Europa, de um parque habitacional tão fragmentado - excepto em pequenas cidades romenas que perderam a indústria mineira. Lisboa perdeu, em trinta anos, trinta por cento da população" (Rui Tavares, no "Público" de hoje)

(Urban Audit)

(2008)
MÚSICA DOMÉSTICA



David Byrne - Big Love: Hymnal

Big Love é uma excelente série televisiva da HBO criada por Mark V. Olsen e Will Scheffer cujo argumento se centra em torno de uma família de mórmones polígamos “old school” de um subúrbio de Salt Lake City, cuja poligamia – em virtude de o mormonismo “oficial”, depois de a ter erigido em dogma durante quase um século, em 1890, quando o Utah foi cercado por tropas federais, a ter ilegalizado, sob pressão e por via de uma bem vinda “revelação” do “profeta” Wilford Woodruff – a obriga a viver em permanentes manobras de dissimulação face a um meio social, hoje (oh ironia!), ferozmente anti-poligâmico. Se a banda sonora da primeira temporada foi entregue a Mark Mothersbaugh (ex-Devo), para a segunda, o escolhido foi David Byrne.



É ele que, no seu blog, conta como, dos esboços iniciais de hinos mormon "fake" alimentados a devaneios com Bernard Herrmann e Nino Rota, se viu forçado a domesticar os ímpetos de grandiloquência (iluminado também pela sabedoria do “sound designer”, Walter Murch) a favor de uma música “que não jogasse contra as cenas” mas que funcionasse antes como “underscoring” discreto e subliminar. Agora reunida em CD, é isso mesmo com que deparamos: uma espécie de Music For The Knee Plays exclusivamente instrumental, provincial e doméstica, presumivelmente eficaz e sem texto.

(2008)

28 September 2008

CITY GHOSTS (XI)

Lisboa, Portugal, 2008















(2008)
POST-CAPITALISM (OR AT LEAST
POST-CAPITALISM-AS-WE-KNOW-IT)




"Since it's a time when we're all trying to imagine what life post-capitalism (or at least post-capitalism-as-we-know-it) might be like, I thought I'd post about a dreamy fantasy I've long had about living in unconventional structures on roofs. For some reason buying a house has never appealed to me -- they seemed so disappointingly dull, and so vastly over-expensive. But what has appealed is a dream of living in some curious, romantic, misshapen structure parasitical on another one (and therefore, presumably, cheap). And particularly one of the odd structures you find on the roofs of buildings"



(o resto aqui)

(2008)
SARAH PALIN: A REALLY BAD DISNEY MOVIE



(2008)

27 September 2008

PAUL NEWMAN
(26.01.1925 - 26.09-2008)



Cool Hand Luke - real. Stuart Rosenberg, 1967

(2008)
MAIS FOOD FOR THOUGHT ACERCA
DA CONSPIRAÇÃO - "MAGALHÃES"




"This week, the government of Portugal began distributing the first of its 500,000 homegrown laptops based on the Intel Classmate PC, itself a rival low-cost laptop to the One Laptop per Child project. Each laptop won't get anywhere close to OLPC's previous promise of $100, but rather will cost 285 euros ($418) each.

Now, while I'm generally against the entire premise of One Laptop per Child and large-scale government programs to bring computers and Internet access to countries that have larger priorities, I'm also against this idea of throwing laptops at kids in the global North as well -- but for a different reason.

Since 2002, Maine has had one of the most ambitious laptop programs in the country, giving all of its seventh- and eighth-grade students and teachers a laptop. While initially there wasn't much improvement, a study from last year concluded that after five years of use, Maine students' writing abilities and test scores improved. However, here's my problem with these results: Yes, laptops may help kids' writing scores improve, but there's scant evidence that shows a significant improvement overall. Further, much of the time, the real difference is made not because of the magic seed of computers but, rather, because the computers are accompanied by better teachers and better teaching methods.

(...)



Even Steve Jobs agrees, and as he said in an interview with Wired in 1996:

'I used to think that technology could help education. I've probably spearheaded giving away more computer equipment to schools than anybody else on the planet. But I've had to come to the inevitable conclusion that the problem is not one that technology can hope to solve. What's wrong with education cannot be fixed with technology. No amount of technology will make a dent.

Lincoln did not have a Web site at the log cabin where his parents home-schooled him, and he turned out pretty interesting. Historical precedent shows that we can turn out amazing human beings without technology. Precedent also shows that we can turn out very uninteresting human beings with technology'.
" (o texto completo aqui)

(2008)
PETIÇÃO MARIA KEIL/METRO DE LISBOA



Em notícia do "Expresso" de hoje, Maria Keil afirma nada ter a ver com a petição colocada online acerca da remoção dos seus painéis de azulejos para o Metro de Lisboa e que esse é um assunto que já foi objecto de acordo entre ela e a empresa.

Não retiro o post apenas porque não gosto de apagar a História e todos os seus equívocos. Mas suponho que a vontade de Maria Keil deverá ser respeitada.

(2008)

26 September 2008

MÚSICA CLÁSSICA



Richard Thompson - Mock Tudor




Randy Newman - Bad Love

Ser um clássico é assim. Mesmo que, no caso, não se trate de dois clássicos cujos nomes andem propriamente na ponta da língua de toda a gente. O que é ainda uma outra forma de ser clássico, se quiserem, um clássico dos "selected few". Richard Thompson e Randy Newman pertencem indiscutivelmente a essa categoria, a qual lhes autoriza a possibilidade de — quando estão para aí virados, é outro luxo de poucos — gravarem discos que, sem exibirem a ambição de descobrir a roda pela segunda vez, se podem gabar de não descender de mais nada nem de mais ninguém que não seja a obra dos seus próprios autores. E que nos obriga a não os comparamos senão com eles mesmos ou com os seus pares da mesma estatura.



Acerca de Richard Thompson, quem precisa e merece sabê-lo, já conhece tudo: como, a bordo dos Fairport Convention, inventou o folk-rock britânico e registou uma das mais imaculadas séries de música tradicional/electrica/contemporânea; como, na companhia de Linda Thompson, publicou pelo menos um disco-para-a-ilha-deserta-de-quem-tem-ouvidos — I Want To See The Bright Lights Tonight — e vários outros de que só não se diz o mesmo porque, dessa forma, se calhar, ninguém acreditava; como, a solo, continuou a constituir uma daquelas preciosas excepções de alguém que, após, mais de trinta anos de carreira, cada nova publicação ainda faz os tais "selected few" correr para as lojas como se fosse a primeira. Quem não sabe nada disto pode, já agora, fazer os trabalhos de casa em atraso e procurar — vale a pena o esforço, garanto — Watching The Dark/The History of Richard Thompson, resumo essencial de música essencial editado em 1993 pela Rykodisc. Depois, claro, vai querer os outros todos e (ruina económica por ruina económica, não é mais um que vai mudar muito as coisas) o último Mock Tudor também. E assim é que está certo.



É que Mock Tudor é bom, é mesmo extraordinariamente bom. Thompson garante-nos que é uma espécie de diário intímo das suas relações com a cidade de Londres ao longo de uma vida mas ele podia perfeitamente chamar-se Thierry Dupont e viver em Reykjavik que, se a alma fosse a mesma, as canções seriam iguais. Precisamente pelas razões por que nunca ninguém se lembrou de escrever um ensaio acerca da influência determinante que nele terá tido o facto de, há quase duas décadas, se ter convertido ao islamismo. Porque não teve nenhuma. O mundo é uma boca de esgoto fétida e, islâmico ou hindu, em Londres ou na Tasmânia, Richard Thompson não consegue evitar que cada canção funcione como um espelho colocado à frente da realidade. Aquela onde ele se movimenta ou a outra (afinal, a mesma) que, dentro de si, lhe desarruma as emoções.



Daí que Mock Tudor, ao contrário do que se poderia esperar, tenha muito pouco de "site specific": "Sibella", "Bathsheba Smiles", "Crawl Back", "Uninhabited Man", ou "That's All, Amen, Close The Door" são daquelas canções de amor violentamente envenenadas de ódio em que ele se especializou (as particularíssimas "love gone wrong songs" que June Tabor tanto gosta de recriar), "Hope You Like The New Me" é um portentoso exercício de cinismo e até a única que poderia parecer um pouco mais "londrina", "Sights And Sounds Of London Town", é apenas uma aguarela pintada com água suja de sarjeta que se inicia com o "soliciting" de uma prostituta em Euston Road e encerra com a silhueta desgraçada de um pequeno bandido do Soho. Isto é, Richard Thompson igual a si próprio, quer dizer, excelente e único.



Randy Newman, o ilustríssimo cinquentão herdeiro de uma não menos ilustre família de Newmans com história feita na música para o cinema e adjacências, não será, aparentemente, tão amargo mas também não vê o mundo através de lentes cor de rosa. Se, no "craftsmanship", é um descendente directo de Gershwin ou Cole Porter, o que, ao longo de três décadas, tem vindo a edificar não é senão um mosaico bastante pouco amável do mundo (e da América em especial) sob o disfarce de canções prazenteiras e enganadoramente "familiares". Bad Love (o título já faz desconfiar...) não foge muito à regra.



Recobertas por sofisticadas orquestrações e confortavelmente aninhadas no piano quase-ragtime de Newman, há histórias patéticas de pura abjecção ("Shame"), autoflagelação ("I'm Dead But I Don't Know It"), um diálogo imaginário com Karl Marx acerca da injustiça do mundo e de como nada há fazer em relação a isso ("The World Isn't Fair") ou um grandioso e ácido hino acerca do colonialismo europeu ("The Great Nations Of Europe") onde portugueses e espanhóis — não há comemorações politicamente correctas dos Descobrimentos que lhes valham — são retratados como as exactas bestas selvagens que eram no século XVI. Na última canção, uma franquíssima e divertida confissão de insegurança, ele declara "I want everyone to like me, I want everyone to like me bad, I want everyone to approve of me, 'cause when they disapprove of me it makes me feel so sad". Não tenhas problemas, Randy, gostamos. Muito.

(1999)
PERDOEM-ME SE VOLTO A INSISTIR...



... mas, em plena manobra de desinformação colectiva - nome de código: "Magalhães" -, não há ninguém capaz do pequeníssimo esforço de ler, investigar, colocar à discussão... ISTO???!!!...

Só para recordar:

"LAST MONTH (Abril de 2007), THE UNITED STATES DEPARTMENT OF EDUCATION RELEASED A STUDY SHOWING NO DIFFERENCE IN ACADEMIC ACHIEVEMENT BETWEEN STUDENTS WHO USED EDUCATIONAL SOFTWARE PROGRAMS FOR MATH AND READING AND THOSE WHO DID NOT"

(2008)

25 September 2008

A FEW WORDS IN DEFENCE OF OUR COUNTRY
(against Satan)




"A grainy YouTube video has surfaced showing Sarah Palin being blessed in her hometown church three years ago by a Kenyan pastor who prayed for her protection from 'witchcraft' as she prepared to seek higher office. The video shows Ms Palin, John McCain's surprise pick as the Republican vice-presidential candidate, standing before Bishop Thomas Muthee in the pulpit of the Wasilla Assembly of God church, holding her hands open as he asked Jesus Christ to keep her safe from 'every form of witchcraft'. 'Come on, talk to God about this woman. We declare, save her from Satan,' Bishop Muthee said as two attendants placed their hands on Ms Palin’s shoulders. 'Make her way my God. Bring finances her way even for the campaign in the name of Jesus... Use her to turn this nation the other way around'.” (o resto aqui)

(2008)
O FIM DO IMPÉRIO



Randy Newman - Harps & Angels

No princípio, era o tio Alfred: 45 nomeações para o Oscar de melhor banda sonora (segundo mais nomeado de sempre) e 9 troféus da Academia no currículo. Havia também o tio Lionel, director musical de todos os filmes de Marilyn Monroe para a Fox, 11 nomeações e um Oscar para Hello Dolly. Embora de menor fulgor, não esqueçamos o tio Emil, diligente trabalhador musical em mais de 200 filmes e programas de televisão e uma nomeação para Oscar. Descendo na árvore genealógica, refiram-se os primos Thomas Montgomery Newman (8 nomeações) e David Newman (uma nomeação) e o sobrinho Joey (música para cinema, televisão e videojogos). Não será ainda uma dinastia como a dos Bach mas a família Newman para lá caminha. Pelo que não é de admirar que, com tal linhagem, Randy Newman, para além de um indiscutível clássico da canção popular norte-americana (e, claro, da “film music”: 15 nomeações e um Oscar), seja, acima de tudo, um classicista. Parcimonioso na publicação da obra – 10 álbuns de originais em 40 anos de carreira –, decantador dos licores das mais nobres castas (do vaudeville ao jazz de New Orleans, da pop-Tin Pan Alley a Weill ou Cole Porter), desde Bad Love (1999) que não lhe púnhamos os ouvidos em cima (descontando The Randy Newman Songbook Vol. 1, de 2003, regravação de temas anteriormente editados).



Harps & Angels – pouco mais de 35 minutos e dez novas canções – é, porém, prova mais do que suficiente de que ainda há-de vir longe o tempo em que Randy Newman despirá aquela sua pele de “songwriter” que abriga no mesmo corpo o avô rabujento, o filósofo da escola de pensamento “yellow cab” e o requintado estilista musical. No caso, com as garras particularmente afiadas e o sarcasmo a ferver: “A Few Words In Defence Of Our Country” começa por declarar que “the leaders we have, while they’re the worst that we’ve had, are hardly the worst this poor world has seen” estabelecendo, então a cruel comparação com Calígula, Hitler, Estaline e a Santíssima Inquisição e concluindo com a profecia “the end of an empire is messy at best, and this empire is ending like all the rest, like the Spanish Armada adrift on the sea, we’re adrift in the land of the brave and the home of the free”; “Korean Parents” apela à importação de pais/educadores coreanos para meter os indisciplinados fedelhos americanos na ordem; “A Piece Of The Pie” fustiga o desgoverno social (“living in the richest country in the world, wouldn’t you think you’d have a better life?”) e dispara alfinetadas na direcção da "santidade" de Bono e Jackson Browne, e, com essas e as restantes (acompanhado por notabilidades como Mitchell Froom, Greg Cohen ou Pete Thomas), coloca-nos nas mãos mais outro precioso “songbook”.

(2008)
PETIÇÃO
(ler primeiro aqui)



Ao Metropolitano de Lisboa:

Maria Keil (gosta que a tratem apenas por Maria) nasceu na cidade de Silves, em 1914. Partilhou a maior parte da sua vida com o arquitecto Francisco Keil do Amaral, com quem se casou, muito jovem, em 1933. De lá para cá fez milhares de coisas, sobretudo ilustrações, que se podem encontrar em revistas como a “Seara Nova”, livros para adultos e “toneladas” de livros infantis, os de Matilde Rosa Araújo, por exemplo, são em grande quantidade. Está quase a chegar aos 100 anos de idade de uma vida cheia, que nos primeiros tempos teve alguns “sobressaltos”, umas proibições de quadros aqui, uma prisão pela PIDE, ali... as coisas normais para um certo “tipo de pessoas” no tempo do fascismo.
Para esta “história”, no entanto, o que interessa são os seus azulejos. São aos milhares, em painéis monumentais, espalhados por variadíssimos locais. Uma das maiores contribuições de Maria Keil para a azulejaria lisboeta, foi exactamente para o Metropolitano de Lisboa. Para fugir ao figurativo, que não era o desejado pelos arquitectos do Metro, a Maria Keil partiu para o apuramento das formas geométricas que conseguiram, pelo uso da cor e génio da artista, quebrar a monotonia cinzenta das galerias de cimento armado das primeiras 19, sim, dezanove estações de Metropolitano. Como o marido estava ligado aos trabalhos de arquitectura das estações e conhecendo a fatal “falta de verba” que se fazia sentir, o Metro lá teve de pagar os azulejos, em grande parte fabricados na famosa fábrica de cerâmica “Viúva Lamego”, mas o trabalho insano da criação e pintura dos painéis... ficou de borla. Exactamente! Maria Keil decidiu oferecer o seu enorme trabalho à cidade de Lisboa e ao seu “jovem” Metropolitano.



Finalmente, a história! Recentemente a Metro de Lisboa decidiu remodelar, modernizar, ampliar, etc, várias das estações mais antigas e não foram de modas. Avançaram para as paredes e sem dizer água vai, picaram-nas sem se darem ao trabalho de (antes) retirar os painéis de azulejos, ou ao incómodo de dar uma palavra que fosse à autora dos ditos.
A parte “realmente boa” desta (já longa) história é que, ao contrário de quase todos os arquitectos, engenheiros, escultores, pintores e quem quer que seja que veja uma sua obra pública alterada ou destruída sem o seu consentimento, Maria Keil não tem direito a qualquer indemnização.
Pergunta-se “porquê? Porque na Metro de Lisboa há juristas muito bons, que descobriram não ser obrigatório pedir nada, nem indemnizar a autora, de forma nenhuma... exactamente porque ela não cobrou um tostão que fosse pela sua obra!!!
Este crime silencioso não pode continuar impune. Pior do que o crime em si será o (nosso) silêncio à sua volta.
Como tal os abaixo assinados exortam o Conselho de Gerência do Metropolitano de Lisboa a, rapidamente, deligenciar obter os desenhos dos painéis destruídos e mandar executar, à empresa que produziu (a Viúva Lamego) novos painéis.
Com todo o respeito, os abaixo assinados. (assinar aqui)

(2008)

24 September 2008

UM ESCASSO MAPA



Vários - Sif Sifaa: New Music From The Middle East

Cairo, início dos anos 20. "O grupo estava já sobre o palco, dois camponeses vestidos com a longa goubba escura e de turbante, dois cheiks vindos da sua aldeia; em frente deles, ao meio, um rapaz, imóvel, sentado, assustado, com as mãos sobre o ventre, severo como podem ser os adolescentes. Somente eram visíveis as mãos e o rosto redondo que seria quase feio sem aqueles grandes olhos negros. Apesar do calor, uma capa beduína cobria-lhe o corpo e um lenço apertado na cabeça por dois anéis fechava-se-lhe no queixo. Nada se passava, as pessoas conversavam, o miúdo não sabia que fazer. Lançou, subitamente, o canto sobre a multidão. Era a 'faitha', o primeiro versículo do Corão. A voz era juvenil e insegura mas singular, apoiada numa potência pouco comum, um sopro que não cessava de exalar. O rapaz atacou a segunda frase muito baixo e subiu progressivamente, sustendo a nota e fazendo-a vibrar. As pessoas responderam com um murmúrio de aprovação. A voz recitava o texto sagrado, respirando entre as frases, num silêncio que nada perturbava. Aí, retomava o canto, subia aos agudos, ornamentava longamente a melodia. (...) Com os olhos sempre no chão, sem um sinal de conivência com o público, lançou-se de novo e uma onda de calor invadiu-lhe o rosto: os versos que ele pronunciava - "A paixão trai-se pelo olhar" - eram meus, naqueles lábios beduínos. Sorri-lhe mas sentia vontade de me esconder. Havia qualquer coisa no canto daquele adolescente que era estranha. A potência, o timbre, o domínio da respiração, eram notáveis mas aquela voz penetrava-me sem qualquer vergonha, preenchia-me de uma natural indecência, inconsciente do que fazia. No interior de certas notas, uma ligeira rouquidão introduzia um perfume de sensualidade sem véus. Sentia-me muito desconfortável.

Alguns parágrafos mais à frente na leitura de Oum, compreende-se a razão do desconforto do poeta egípcio Ahmad Rami: "o adolescente" não era senão a, então ainda jovem, diva Oum Kalthoum que iniciava uma fulgurante carreira que atravessaria todo o século XX e, ao lado de outros gigantes como Mohamed Abdel Wahab, reestabeleceria as regras da música árabe (após séculos de dominação turca), procurando unificar culturalmente uma nação territorialmente dispersa. E, mesmo que estas memórias confiadas ao jornalista Sélim Nassib sejam confessadamente imaginárias, bastam e sobram para explicar a dimensão de um mito que, soubemo-lo há pouco, vinte anos após a sua morte, continua a dominar as tabelas de vendas do mercado discográfico árabe.


Kazem Al Saher - "Kouli"

Se para escutar as fabulosas vozes de Kalthoum e Abdel Wahab existem os registos de militantes como o Club du Disque Arabe que, na actualidade, continuam a insubstituível missão de não as deixar esquecer, para investigar o que produz, hoje, musicalmente, o Médio Oriente, só há dois caminhos: deslocar-se directamente aos locais e perder-se (é o termo exacto) no seu labirinto de publicações em cassete ou apoiar-se na prestação de serviços das editoras da chamada "world music" que, com todas as virtudes e defeitos, se encarregam por nós dessa selecção e investigação. A Hemisphere, destacamento recente da EMI para o contingente extra-pop-rock-jazz anglo-americano, investiu agora nesse sentido.


Mohamed Fouad - "Fakrak Ya Naseeny"

Para enquadrar a expedição, ensinam-nos que a sif-safaa é uma árvore de muitas raízes que, por todo o Médio Oriente, lança uma imensa sombra na vastidão do calor do deserto e que a escolheram como metáfora para a própria cultura árabe: diversa de país para país mas unificada por uma língua e religião comuns, profundamente enraizadas na tradição. Depois, a audição do disco (que nunca resolve a questão de saber como um ouvinte não iniciado se pode orientar no interior de uma floresta de referências culturais que totalmente ignora - como é, realmente, o al-jil urbano, o que distingue a canção shaabi do ritmo masmoudi?...) oferece doze pistas para a exploração de um mundo - mais precisamente, o Egipto, o Iraque e a Arábia Saudita - que, à excepção do raï argelino, está quase todo por descobrir. Aberta aos ventos da (nossa) modernidade nas faixas de Hanan, Mohamed Mounir ou Mohamed Fouhad, mais tradicional nas de Hamdi Hamed ou Aida Ayubi, de um exacerbado dramatismo romântico quase kitsch na de Kazem Al Saher, ficam os sinais fugidios de uma atmosfera de vozes sensuais envolvidas por violinos serpenteantes, percussões hipnóticas, vertiginosos fraseados de oud e imprevisíveis sintetizadores e guitarras eléctricas. Como quem, inadvertidamente, sintoniza uma emissão de rádio de origem desconhecida, consideremo-nos bem vindos (ainda que com um escasso mapa) ao magnífico mundo árabe.

(1995)
CIDADES (IV)

Delft, Holanda, 2008















(2008)
A FALA E A MÚSICA



Patti Smith & Kevin Shields - The Coral Sea

Tenha a linguagem falada evoluído a partir da música ou tenha o processo sido o inverso (The Singing Neanderthals, de Steven Mithen, e This Is Your Brain On Music, de Daniel J. Levitin, lançam óptimas achas para essa fogueira), uma performance de “spoken word” e música como The Coral Sea só pode deixar toda a questão em aberto. Baseado no poema homónimo que, em 1996, Patti Smith dedicou ao fotógrafo (e seu amigo e companheiro dos anos iniciais no Chelsea Hotel) Robert Mapplethorpe, falecido sete anos antes, este álbum duplo regista a sua apresentação em dois concertos de 2005 e 2006, no Queen Elisabeth Hall, de Londres, acompanhada exclusivamente pela guitarra de Kevin Shields, dos lendários My Bloody Valentine. E é justamente nessa estimulação mútua entre a voz, as palavras e as marés sonoras que jorram das cordas de Shields que se torna extraordinariamente difícil assegurar quem determina o quê, se é a declamação encantatória de Smith que incendeia a guitarra ou se é esta que provoca o dilúvio visionário do texto e o empurra, aqui e ali, para uma melopeia quase xamânica. Seja qual for a resposta, o melhor álbum de Patti Smith (e Shields) desde há muito tempo.

(2008)

23 September 2008

... ... HÃ???!!!... ...



"A ministra da Educação anunciou, esta segunda-feira, que um dos objectivos do Executivo é alcançar 100 por cento de aprovações no final do ensino básico [9º ano], frisando que Portugal começa a reunir todas as condições para alcançar essa meta" (aqui)

(2008)
ORIENTALISM

"The popular music of North Africa exists precariously in the fissure of post-colonial, postmodern in-betweenness. Popular musicians sing against the institutions of the politically powerful, yet depend upon the connections of such institutions to the former colonizing nations, especially the recording industries of Paris and London. (...) No other North African popular music has secured a place as palpably in the postmodern imagination as has raï, which means something like 'a way of seeing' or 'an opinion'. Raï is the music of the urban disenfranchised in North Africa, especially in Algeria and eastern Morocco.


The Fifth Element - real. Luc Besson, 1997

We might also interpret the attraction of raï as stereotipically orientalist. (...) As world music, raï evokes the marketplace of the Muslim city, the harem, the court, and the social gathering where forbidden substances are used. When the producers of the 1997 science-fiction movie The Fifth Element needed a soundtrack to accompany Bruce Willis as he raced through the confused fantasy of the futuristic metropolis, a song by perhaps the most famous raï star, Khaled, fitted the bill. The jumble that raï has absorbed becomes the East writ large. In the mediated world imagined through world beat, the producers of raï have succumbed to the allure of full-blown orientalism" (A Very Short Introdution to World Music de Philip V. Bohlman)

(2008)

21 September 2008




"On 9 May 1998, the Israeli entry won first place in the Eurovision Song Contest, broadcast that year from Birmingham, England. 'Diva' was sung by Dana International, an Israeli whose mixture of Yemenite and Sephardic heritages had located her in a lineage of popular singers famiiiar to Israelis. (...) Times had changed, however, and Dana International had a national image rather different from the earlier Israeli stars popularizing musica mizrakhit (eastern music). On the one hand, Dana was demonstrably patriotic, and she openly displayed her eagerness not just to represent Israel but to win for Israel. On the other hand, Dana was famously transsexual, and she was no less open in her display of a complex sexuality.



In a religious state, whose orthodox and ultra-orthodox religious population commanded an extraordinary degree of national power, one might expect that the image of a nation embodying multiple forms of sexuality would not be particularly welcome, especially on the stage of the most widely broadcast world music contest. (...) Dana's songs mix and remix the nation, sampling the elements that have always constituted the multiple histories of Israel's past and the multiple identities of its present. In so doing, they confirm rather than deny a national presence in Dana's own vision of world music. It was that vision that her victory at the 1998 Eurovision Song Contest so clearly recognized". (A Very Short Introdution to World Music de Philip V. Bohlman)

(2008)
MUZAK-CHÁ-DE-JASMIM

Dengue Fever - Venus On Earth

Na seríissima e erudita Very Short Introduction To World Music, de Philip V. Bohlman (publicada pela Oxford University Press), um capítulo inteiro é dedicado ao Festival da Eurovisão – dissecando tudo quanto ele implica de ambiguidade na delicada questão das “identidades nacionais” – e, nele, é particularmente analisada a figura de Dana International, o transsexual que, em 1998, o venceu concorrendo por Israel, sintetizado nestas palavras: “Dana’s songs mix and remix the nation”. Venus On Earth, terceiro álbum dos Dengue Fever (tal como os recentes dos Gogol Bordello, Devotchka, Chicha Libre ou Vampire Weekend), bem poderia ser lançado também para o caldeirão dessa polémica: banda constituída por instrumentistas americanos e cantora cambojana dedica-se à recuperação do obscuro "psych-lounge-surf-garage-pop" do Camboja que a ditadura dos Khmers Vermelhos extinguira; como Dana, entregam-se ao “mix and remix” desse vocabulário, convertem-no em matéria pop contemporânea e a Realword publica-os. No caso, porém, nem vale a pena o debate estético/ideológico: na maioria dos temas, pouco se vai além da muzak-chá-de-jasmim que se pode escutar durante o jantar, na instalação sonora de um vulgar restaurante chinês.

(2008)

20 September 2008

A MULHER QUE MORDEU O CÃO
(NO CASO, O ROTTWEILER DE DEUS)




Sabina Guzzanti, humorista italiana, satirizando recentes leis do governo Berlusconi e a influência do Vaticano, declarou *: "Graças à lei Moratti (ex-ministra da educação, Letizia Moratti), daqui a 20 anos, os professores serão escolhidos pelo Vaticano. Mas daqui a 20 anos, Ratzinger vai estar onde deveria estar, morto e no inferno, atormentado por diabos gay, não dos passivos mas dos muito activos!".

* (incorrendo em processo "por insultos ao papa", ao abrigo de uma lei de 1929, com pena até 5 anos; o Ministério da Justiça italiano não deu seguimento ao processo colocado pelo procurador de Roma)

(2008)

18 September 2008

OS FILHOS DE CAGE

Provavelmente ainda haverá quem não tenha reparado a sério como tudo, literalmente tudo, o que aconteceu no mundo das músicas desde 1952 decorre em linha directa dos (apesar de tudo famosos) 4'33", de John Cage, publicamente "apresentados" nesse ano. O que, entre dezenas de outras possíveis consequências, foi uma forma de abrir de par em par as portas do universo musical a todo e qualquer acontecimento sonoro, voluntário ou acidental, deliberado ou espontâneo, "natural" ou "artificial", nada excluindo e tudo fazendo depender da atitude de quem escuta: música ou ruído passavam a ser apenas aquilo que, num determinado momento, se entendia como tal em função das circunstâncias ou expectativas. Já não uma "arte de combinar os sons" ou de "orquestrar o ruído" mas, sim, de os seleccionar, identificar ou bloquear, caso a caso, instante a instante, com o ouvido humano individual como único sintonizador e padrão. O comboio que passa no exterior da minha janela ou a peça de Mozart que, simultaneamente, o rádio difunde passaram a equivaler-se como matéria potencialmente musical (a mim cabe atribuir-lhes ou não essa qualidade) e eventualmente associáveis numa unidade única: a banda sonora irrepetivel daqueles segundos, naquele lugar. Se 4'33" foi, seguramente, o primeiro exemplo de música radicalmente ambiental (os sons do ambiente eram a própria música), a homenagem prestada pela "Time Out", no ano passado, por ocasião da morte de Cage, não podia ser mais adequada: uma banda desenhada em que, interrompendo subitamente um concerto de obras de John Cage, o apresentador anuncia o falecimento deste e, em respeito pela sua memória, solicita ao público um minuto de... ruído.

Obviamente, desde que tudo passou a ser possível, nenhum limite voltou a ser reconhecido, o campo ficou, teórica e praticamente, aberto a todo o tipo de experimentações, projectos e propostas. Do punk à world music, do pós-serialismo ao "noise", do neo-industrialismo ao sampling, ninguém fez senão ecoar uma ideia ("a arte é uma espécie de banco de ensaio onde a vida se experimenta") e uma profecia ("acredito que a utilização do ruído para criar música irá continuar e ampliar-se-à até atingirmos uma música produzida através de instrumentos eléctricos que, para todos os efeitos, colocarão à nossa disposição todos os sons audíveis") de John Cage, em 1937. Sensiblidades, condicionamentos, tiques e preferências culturais acabarão sempre por decidir do que é aceitável, excitante ou insuportável, com a possibilidade adicional de, se submetido a outros ouvidos, o mesmo se apresentar possuidor de caracteríticas exactamente opostas.

É nesse território de indecisões e interrogações que se enquadram estes sete discos. Três deles (1/2 e 3/4, dos Dome, e Or So It Seems, dos Duet Emmo) são a reedição em CD de parte da aventura paralela de Bruce Gilbert e Graham Lewis, dois elementos dos Wire que, durante o prolongado lapso de tempo em que o grupo-base se eclipsou, iniciaram uma trajectória de investigação das técnicas de estúdio e das possibilidades do som sintetizado. Abandonada toda a relação com as estruturas convencionais da canção, ficava uma atmosfera sonora de colagens fantasmáticas, ruídos mecânicos assombrados, vozes desencarnadas e surdas obsessões rítmicas, com enxertos "étnicos" e laivos de psicadelismo minimal. O acento tónico na componente tímbrica, rítmica ou estrutural varia de intensidade de faixa para faixa e de disco para disco mas, tanto na variante Dome como Duet Emmo (um anagrama para a associação Dome e Mute, fruto da participação de Daniel Miller), faz do "modern ennui" um valor estético apreciável. Verdadeiramente intrigante e a exigir audições repetidas é o extenso "To Speak" (incluído no quarto volume Dome, originalmente intitulado Will You Speak This Word), exercício de voo livre sobre o planisfério musical, a prolongar-se em pura abstracção. Uma reflexão inevitável: considerável percentagem da música de dança actual nasceu - directa ou indirectamente - do que aqui se contém.

Não demasiado longe das mesmas coordenadas sonoras viajam os australianos SPK (sigla sucessivamente explicada como Surgical Penis Klinik, System Planning Korporation ou Sozialistisches Patienten Kolektiv...), fundamentalmente, um duo constituído por Graeme Revell e a vocalista Sinan. A parcela da sua discografia agora republicada revela uma concepção que oscila entre o teste de resistência às virtualidades do estúdio convertido em câmara de tortura electroacústica (Leichenschrei e, sobretudo, Information Overload Unit) e uma ideia de "sound painting" desterritorializado que suga para o mesmo espaço os vestígios sonoros de todas as culturas planetárias e as envolve num fluído único de contornos pouco definíveis. Este último é o domínio de Zamia Lehmani, um deslumbrante buraco negro de murmúrios exóticos, preces líricas e pesadelos revestidos a ouro, em equilíbrio instável sobre o estreito fio de comunicação que liga o espaço sideral com a ressonância das catedrais.

Finalmente, The Shutov Assembly, de Brian Eno, é o retorno do ex-Roxy Music ao ambientalismo decorativista da série que o anterior Nerve Net interrompeu. Enquanto nesse excelente álbum do ano passado valia, essencialmente, o entendimento do mundo musical contemporâneo como corpo sonoro orgânico e a dimensão ambiental era apenas uma componente entre muitas outras (techno, house, rock, jazz, impressionismo) gerando um híbrido tão instável quanto rico de potencial, Assembly retoma a feição de aguarela de superfícies, preciosa e texturada, mas, na verdade, sem acrescentar nada de decisivo a toda a linha de trabalhos anteriores que Discreet Music inaugurou em 1975. Retêm-se dez faixas cujo único traço de união é obedecerem a títulos de nove letras e aguarda-se pelo capítulo seguinte que terá tudo a ganhar se sintonizar de novo o sistema nervoso planetário e nele decifrar o código que adivinha o futuro. Ou, como enuncia Ryuichi Sakamoto em Heartbeat, "Break the code and read the message, speak directly to the center".

(1993)

17 September 2008

THE LAST ILLUSION

"Well, I'm an atheist, and the concept of god for me is all part of what I call the last illusion. THE LAST ILLUSION IS THAT SOMEONE KNOWS WHAT'S GOING ON"

(pareceu-me apropriado ao espírito dos tempos recuperar e sublinhar esta observação de Brian Eno e acrescentar-lhe algum material de apoio)


William Burroughs - "What Keeps Mankind Alive" (Brecht/Weill)



Tom Waits - "God's Away On Business"

I'd sell your heart to the junkman baby
For a buck, for a buck
If you're looking for someone to pull you out of that ditch
You're out of luck, you're out of luck

Ship is sinking
The ship is sinking
The ship is sinking

There's a leak, there's a leak in the boiler room
The poor, the lame, the blind
Who are the ones that we kept in charge?
Killers, thieves and lawyers

God's away, God's away
God's away on business, business
God's away, God's away
God's away on business, business

Digging up the dead with a shovel and a pick
It's a job, it's a job
Bloody moon rising with a plague and a flood
Join the mob, join the mob
It's all over, it's all over
It's all over

There's a leak, there's a leak in the boiler room
The poor, the lame, the blind
Who are the ones that we kept in charge?
Killers, thieves and lawyers

God's away, God's away
God's away on business, business
God's away, God's away on business, business

Godddamn there's always such a big temptation
To be good, to be good
There's always free cheddar in a mousetrap, baby
It's a deal, it's a deal

God's away, God's away
God's away on business, business
God's away, God's away
God's away on business, business

I narrow my eyes like a coin slot baby
Let her ring, let her ring

God's away, God's away
God's away on business, business
God's away, God's away
God's away on business, business


(2008)
VER O SOM, OUVIR A IMAGEM



Hector Zazou et Bernard Caillaud - Quadri+Chromies

Hector Zazou é bem o paradigma do músico contemporâneo que, definitivamente, se desembaraçou de todos os compromissos estéticos, "de escola" ou género, e encara o universo sonoro — todo o universo sonoro — como um potencial campo de descoberta e experimentação. Desde os capítulos iniciais na série "Made To Measure" (da Crammed Disc) até aos magníficos painéis transcontinentais e transmusicais de Les Nouvelles Polyphonies Corses e Songs From The Cold Seas, passando pela sublime releitura de Rimbaud, Sahara Blue, por Strong Currents ou pelas inúmeras colaborações com Laurie Anderson, Bill Laswell, Sandy Dillon, John Cale, Harold Budd ou Peter Gabriel, Zazou tem feito do desdobramento de personalidade uma escola de pensamento autónoma. Quadri+Chromies (CD e DVD em colaboração com o físico e pintor Bernard Caillaud, morto em 2004) aventura-se ainda por um outro território: o da sinestesia, através do qual, procura "dar a ver o som e escutar as imagens".



Segundo Zazou, o que interessava Caillaud "era a pintura cinética, como a de Vasarely, as bandas de cores, os círculos, as formas geométricas e a maneira de trabalhar estas formas no espaço. Em seguida, pensou como poderia ser interessante colocar estas imagens em movimento e começou a conceber equações matemáticas para poder animar as cores e as formas. Passou para equações cada vez mais sofisticadas à medida que os próprios computadores — começou com um Amiga rudimentar — se sofisticavam também. O resultado foi aquilo a que chamou 'pintura algocinética' (de 'algoritmo' e 'cinética')". Com Brian Eno, David Sylvian, Peter Buck (R.E.M.) e Ryuichi Sakamoto integrados na tripulação, Quadri+Chromies actua como uma espécie de mandala audiovisual em permanente e assombroso processo de reconfiguração, sumetido a regras estritas ("Não partimos de uma imagem existente, como na música para o cinema, mas da ideia de uma imagem. Decidíamos, por exemplo, ir das linhas aos rectângulos, depois pensávamos no ritmo das mudanças de formas e, enfim, nas modificações de cor no interior de cada tema") e conduzido por "duas grandes inspirações: Derrida e Deleuze; utilizámos os princípios por eles enunciados: colocar ao centro o que se encontra na margem... do ponto de vista musical, por exemplo, numa melodia, não conservando o acorde mas apenas a ressonância do acorde". Agora em directo e a cores, queiram, por favor, abandonar a caverna de Platão.

(2006)

16 September 2008

MELANCOLIAS SIDERAIS



Hector Zazou - Strong Currents/Sonora Portraits 2

Les Nouvelles Polyphonies Corses, Sahara Blue, Songs From The Cold Seas. Um, enraizado na tradição vocal mediterrânica, outro, em torno da biografia e da figura de Rimbaud, o último, oferecendo múltiplas declinações da atmosfera musical à volta do Norte gelado. Mas, todos eles, o género de amplos painéis musicais que atraíam para o seu interior a maior diversidade de cúmplices e colaboradores que Hector Zazou se encarregava de compatibilizar e, do confronto de personalidades, extrair a imensa mais valia estética que cada álbum continha. A marca-Zazou, essa, deixava-se ficar não só nesse muito discreto "managing" estético das diferenças e identidades como também no sofisticado "design" de arranjos e recorte global que articulava milagrosamente impressionismos debussy-satieanos, modernismo electrónico e vestígios "étnicos". Strong Currents — uma encomenda da Materiali Sonori — é Zazou quase puro. E esse "quase" decorre apenas do facto de praticamente todos os textos serem da autoria das vozes femininas que os interpretam. A saber: Laurie Anderson, Jane Birkin, Melanie Gabriel, Lori Carson, Emma Stow, Nina Hynes, Caroline Lavelle, Sarah-Jane Morris, Catherine Russell, Lisa Germano, Nicola Hitchcock e Irene Grandi. Há ainda (entre bastantes outros) os fiéis da "bande à Zazou", Ryuichi Sakamoto, Renaud Pion, Lone Kent. E é um universo interior de enorme delicadeza e fragilidade que daqui resulta, um jogo de luzes e reflexos entre o fantasma da "torch song" e melancolias siderais, cenários digitais e timbres calorosamente acústicos, a carcassa do trip-hop e o "after taste" do romantismo em formato minimal. Se Julie London, Björk, os Portishead, This Mortal Coil e Ravel se tivessem cruzado num qualquer "time-warp" para criar música em conjunto, não teriam inventado nada de muito melhor que Strong Currents.

(2003)
CITY GHOSTS (X)

Lisboa, Portugal, 2008















(2008)
MISTERY SOLVED



"Throughout much of 1990 and 1991, he [Eno] made impromptu recordings whenever he visited a foreign city, often with local collaborators, slowly accruing a series of sketches he would work on extensensively back at The Wilderness and then gather on an album with the deliciouly 'trashy', 'throwaway', 'sexy' and 'industrial' title, My Squelchy Life. (...) [It] would be an album of by turns playful and claustrophobic digital art funk, interleaved with dark, unsettling pools of DX7 ambience and a smattering of post-Wrong Way Up avant-pop songs. (...) There were lots of live drums, albeit heavily processed into mechanistic shapes. Eno took to calling his new sound 'Crash Jazz' or 'Juju Space Jazz'. (...) Indeed, Eno had delivered a finished master of his squelchy opus in the late summer of 1991, with a release date set for September. Review copies were issued to key journalists. Then Warners decied their schedule was too full (...) and the album was delayed until the New Year - which, realistically, meant February. Eno was displeased: by February, he reasoned, he would be thinking about something completely different. (...) Ultimately the extant Squelchy Life would be effectively abandoned (or, perhaps, desiccated). (...) The result was a new album, Nerve Net, which would eventually see the light of day in September 1992. It was an album, true to its title, that was even more hyperactive than its forsaken predecessor. Some of the Squelchy Life cuts had survived (including the title track), but Nerve Net put the emphasis on twitchy, electronic art funk, mainly at the expense of vocal numbers. (...) On Nerve Net's sleeve he appended a number of adjectival descriptions of the music within. One of them was 'Godless': 'Well, I'm an atheist, and the concept of god for me is all part of what I call the last illusion', Eno explained. 'The last illusion is that someone knows what's going on'." (On Some Faraway Beach - The Life And Times Of Brian Eno, de David Sheppard)

(2008)

14 September 2008

VISÕES DA CIDADE GLOBAL



Brian Eno - Nerve Net

Ou muito me engano ou acaba de me chegar às mãos a "prova B" do mais recente enigma que irá ocupar as brigadas de investigação dos mistérios no planeta pop. O assunto deve ser arrumado na categoria "famous lost albums" e a "prova A" tem exactamente um ano de existência. Consiste ela de um texto crítico assinado por Mike Fish e publicado no número de Setembro do ano passado da "Wire" a respeito do álbum de Brian Eno, My Squelchy Life, editado pela Opal e ostentando o número de catálogo 759926504. Acontece que, sem qualquer explicação, esse disco, pura e simplesmente, nunca foi publicado nem foi sequer mencionado em nenhum outro orgão da imprensa musical. Até agora, era pouco mais do que um fantasma, uma miragem só avistada pelos leitores da revista britânica que começavam já a supôr ter sido Mike Fish vítima de uma alucinação.




O segundo acto da peça desenrola-se no presente, com a chegada às lojas de um novo álbum de Brian Eno (primeiro desde Thursday Afternoon, de 1985) intitulado Nerve Net. Igualmente distribuido pela Opal, o mais interessante para este enredo é que, em comparação com o que era apontado no texto da "Wire", é, simultaneamente, outro e o mesmo. Se parece faltarem-lhe temas como aquele - "I Fall Up" - que aí era referido como faixa de abertura, "Tutti Forgetti" ("one of his list songs set to a strange fantasy of conga beats", comentava a revista), "Everybody's Mother" ("as outer spaced as Eno will ever get"), "Set Up My Boys" ("as transcendent as pop textures can ever be") e "Some Words" ("simply beautiful"), em contrapartida, coincidem ambos em "My Squelchy Life" (antes, faixa-título, agora, apenas o penúltimo tema do lado 1), "Juju Space Jazz" e, talvez, em "Decentre" que poderá corresponder ao "straight piano solo" a que Fish atribuía o título de "Little Apricot". A complicar um pouco mais as coisas, valerá a pena dizer que Mike Fish caracterizava o que ouviu como "Eno goes back to song basics" (o que Nerve Net está longe de ser) e que, para Outubro, se anuncia mais um álbum de "ambient music" subordinado ao título The Shutov Assembly. Lamento, mas, tanto quanto me é possível, não tenho notícia de nenhum próximo episódio capaz de solucionar o imbróglio. A saber: que disco escutou Mike Fish? Porque foi ele o único a ter-lhe acesso? Porque não foi editado? Onde pára? Qual a relação entre My Squelchy Life e Nerve Net? Ou, mais simplesmente, existe Mike Fish?


Fica-nos, então, só Nerve Net. E, mesmo sem sabermos, neste intrincado puzzle, o que estamos a ouvir (a versão definitiva? o original em "mix" actualizada? uma e a mesma coisa ou outra inteiramente diferente?), basta uma audição acompanhada da leitura paralela do longo texto redigido por Brian Eno para termos a certeza de que, depois do episódio menos feliz de Wrong Way Up (com John Cale), o ex-Roxy Music é, outra vez, figura decisiva no percurso da pop periférica. Pode existir uma razoável distância entre um programa de intenções e a concretização dos seus objectivos. Mas a vasta selecção de qualificativos escolhida por Brian Eno para descrever o álbum não acerta exageradamente fora do alvo. Chama-lhe ele "uma confusão contraditória", "desequilibrado", "dissonante", "evanescente", "espalhafatoso", "não americano", "viscoso", "vago", "tecnicamente ingénuo", "sobreaquecido", "derivativo de tudo e mais alguma coisa", "descentrado" e, intraduzivelmente, "post-rootist", "post-world", "where-am-I-music".


Pelo caminho, adianta que as visões que o disco evoca são mais susceptíveis de ser descodificadas à chegada do que no ponto de partida, sendo a sua música do tipo que se concretiza no próprio processo de realização. O género de verdade que faz equivaler os pontos de vista do receptor e do emissor com vantagem para aquele: "Enquanto vocês o escutam já como um todo, eu ainda me limito a ir-me apercebendo de uma sucessão de pormenores que lentamente vão definindo uma determinada forma". Acrescenta que o encara como um verdadeiro disco dos anos 90, unindo todas as correntes ("jazz, funk, rap, rock, pop, ambient and world music - did I leave anything out?") numa espécie de "paella" sonora onde cada constituinte, mais cedo ou mais tarde, se deixa identificar. Vêm, por fim, as profecias: "A música dos anos 90 irá também afastar-se do onirismo ingénuo (slightly mea culpa) conotado com o revivalismo ambient/Velvets e a dança robótica techno/hip-hop/rave. Será mais selvagem, complexa e orgânica (...), mais uma rede viva do que uma estrutura fixa. Vai ser um 'patchwork' fluído, por vezes incoerente, violento e estranho. Construído sobre códigos e fragmentos de linguagens sobrepostos e sem relação, em colisão na busca de novos sentidos e ressonâncias".

Entrevista de Paul Morley a Brian Eno - parte I (1992)

As últimas linhas do manifesto são do domínio da análise mordaz aplicada à música: "Os anos 80 foram a idade do mito da Aldeia Global e do Terminator 2. Depois de alguns anos a limpar os estábulos e a contemplar o pôr-do-sol com uma ou outra incursão pela dança, essas perspectivas revelaram-se um tanto limitadas: era um sítio simpático de visitar mas em que não apetecia viver, onde David Sylvian e os outros 'new-agers' podem contruir os seus condomínios para a reforma. Eu desejo fazer parte da Cidade Global: brilhante, frívola, frenética, inteligente, sexy, feroz, eclética, louca, suja, húmida e rica de néons".

Entrevista de Paul Morley a Brian Eno - parte II (1992)

Queiram entrar, pois, no disco propriamente dito, onde as antevisões do autor não defraudam a realidade. O que o autproclamado "primeiro músico absolutamente incompetente da história do rock" oferece é um diagnóstico do ouvido contemporâneo em que cada feixe nervoso encontra conexão por semelhança e contraste e o mosaico sonoro final opta pela organização segundo a teoria do caos, da visão fractal e da holografia. Um jogo abstracto de tecnologia e etnicidade, geometria e "feeling", design e intuição, em panoramas atmosféricos de "bpm" rigorosos. Um objecto tridimensional de escultura sonora que agrega em torno do mesmo eixo desenhos rítmicos subtraídos ao universo da "club culture", infinitos "drones" ambientais, contorsões de guitarra, "found voices", sobreimpressões de bruitismos parasitas, arquitecturas assimétricas de "fake jazz" mutante, vestígios de funk petrificado, intromissões de diálogos em interferência-rádio e labirintos de piano, numa espécie de modelo integrado de medina mourisca do mundo musical contemporâneo, onde o seu "did I leave anything out?" faz mais sentido do que em qualquer outro contexto.

Entrevista de Paul Morley a Brian Eno - parte III (1992)

(Im)previsivelmente, as contribuições musicais exteriores vêm de onde (não) seria de esperar: as teclas de Benmont Tench e John Paul Jones (um, fiel de Tom Petty, o outro, um ex-Led Zeppelin), os "drum loops" de Ian Dench (dos EMF) e também as guitarras ("pin trumpet guitar", "early fifties guitar", "dive guitar") de Robert Fripp e Robert Quine (Voidoids, Lou Reed, Lloyd Cole). Como que globalizando as linhas de força de uma discografia (da pop atípica do início à vertente ambiental, passando pela colaboração central com David Byrne em My Life In The Bush Of Ghosts) e projectando-se vertiginosamente no futuro, no interior de um novo organismo, Nerve Net é o tipo de disco acerca do qual, quando Eno descreve "Fractal Zoom" como o produto virtual de "uma jam session entre Booker T & The MGs e Iannis Xenakis numa 'warehouse rave'", ficamos logo a saber que exige ser escutado com tanto entusiasmo como atenção.

(1992)

12 September 2008

DEVANEIOS



David Byrne & Brian Eno - Everything That Happens Will Happen Today



David Sheppard - On Some Faraway Beach: The Life And Times Of Brian Eno

A abrir o quarto capítulo da excelente biografia de Brian Eno por David Sheppard, On Some Faraway Beach, em epígrafe, descobre-se uma citação do próprio Eno, “Ter sorte é estar preparado”. Não seria difícil conduzi-la às últimas consequências e afirmar que praticamente toda a vida do mais célebre “não músico” de sempre a isso se poderia resumir. Esticando um pouco a corda, apeteceria mesmo arriscar que, digerido o livro, se conclui que a única verdadeira decisão que Eno tomou foi aos nove anos quando, após ter adquirido o seu primeiro disco – “Get a Job”, dos Silhouettes –, jurou a si mesmo o exacto oposto: “never get a job”. Compromisso que, apesar de aparente “workaholic” que exibe na parede do seu estúdio um quadro de planeamento anual de actividades densamente preenchido, cumpriu à risca, teorizando e especulando compulsivamente apenas por pura incapacidade de o evitar, entregando-se até ao esgotamento a mil e um projectos unicamente pelo prazer.



Mas sempre atento e preparado, por exemplo, ao mero acaso de ter ido parar à Ipswich School Of Art durante o curto espaço de tempo em que ela se converteu em incomum laboratório de experimentação estética e pedagógica. Ou no momento em que, tirando partido da hospitalização devido a um pneumotórax, possível consequência de uma maratona sexual de 36 horas – o seu devorador apetite sexual é lendário –, se apercebeu que, com os Roxy Music ou a solo, a vida “de estrada” de um ícone do rock’n’roll não era para ele. Ou, ainda, naquele outro, a 18 de Janeiro de 1975, quando – ele que nunca tirou a carta de condução – foi atropelado por um táxi e, imobilizado durante semanas, graças ao álbum de harpa que Judy Nylon lhe colocara sobre um gira-discos com uma coluna rebentada e o volume no mínimo, todas as suas intuições dispersas acerca da “ambient music” acharam o lugar exacto no puzzle mental. A mesma Judy Nylon, aliás, para quem – nas Snatch, com Patti Palladin – Eno produziu “RAF”, uma colagem sonora de batidas punk/disco e paranóia urbana de “found voices” de atentados terroristas, semente a partir da qual germinaria My Life In The Bush Of Ghosts (1981), com David Byrne, que, se não inventou o “sampling”, foi, certamente, responsável pela sua implantação definitiva como estética pop aprovada.



É, pois, inteiramente natural que, 27 anos passados, a notícia de Byrne e Eno – agora confortavelmente instalados como destacadas figuras dirigentes da elipe-pop-que-utiliza-os-hemisférios-cerebrais – se terem voltado a encontrar para congeminar um álbum a quatro mãos tenha provocado considerável ondulação no grande charco musical contemporâneo. E mais natural ainda será que, a isso, se siga alguma consternação pelo facto de, desta vez, não lhes ficarmos a dever nenhuma nova provocação à ordem instituída mas tão só uma respeitável colecção de canções que terá como particularidades mais notórias o facto de a componente musical ser essencialmente da autoria de Eno, tendo David Byrne assegurado textos e a “arte final” sob a forma-canção, para além de se constituir como mais uma peça na revolução em curso no âmbito das relações entre músicos e indústria discográfica: primeiro disponível para “download” na Internet, só em Outubro terá publicação física em CD, numa edição especial “de luxo”.



Que, à excepção disso, não vêm armados de manifestos insurreccionais, deixam-no bem patente no tema-título (“Everything that happens will happen today and nothing has changed, but nothing's the same and every tomorrow could be yesterday”), sublinham-no, ironicamente, aqui e ali (“This groove is out of fashion, these beats are 20 years old”) e, de um modo geral, entregam-se a pequenos solilóquios acerca do mundo (os tempos “when we fall in love with war, when the angel fucks the whore”) e da condição humana (“Heaven knows what keeps mankind alive”), no registo musical que designam como “folk electronic gospel” mas que, excluindo as convulsões sonoras de “I Feel My Stuff” e “Poor Boy”, é somente um amável devaneio de “singalongs” finamente cinzelados.

(2008)
BYRNE & ENO ALBUM ALERT



(2008)
LUGARES DE FICÇÃO



Hector Zazou/Vários - Chansons des Mers Froides
/Songs From The Cold Seas


Em Chansons des Mers Froides, penetramos noutra realidade. Aquela que Hector Zazou (depois das Nouvelles Polyphonies Corses e Sahara Blue) "filmou" para um disco em que as tradições musicais da Sibéria, do Alasca, da Gronelândia, da Islândia, das Ilhas Hébridas, da Suécia, da Finlândia e da ilha japonesa de Hokaido propõem uma visão de outro mundo onde as vozes tradicionais de Lioudmila Khandi, Elisha Kilabuk, Värttinä, Catherine-Ann McPhee, Lena Willemark ou Tokiko Kato se equivalem às de Björk, Siouxsie Sioux, Suzanne Vega e Barbara Gogan ou às contribuições de John Cale, Harold Budd ou do Balanescu Quartet.



Com concepção gráfica de Russell Mills (revejam-no ao lado de Brian Eno ou David Sylvian), num conjunto de doze postais - um para cada tema - incluindo fotografias de Philippe Romeo e textos de Zazou, sejam bem-vindos a um universo glacial, lugar de ficção e ilusão, no qual gelo e neve se transformam numa boa definição do paraíso na terra.

(1995)